»The Vibration of Things« or »On Interconnectedness«

Sarie Nijboer: How was »The Vibration of Things« conceived of, and what approaches were important to you in developing the Triennial?

Elke aus dem Moore: In 2020, when I received the invitation to curate the 15^th edition of the Fellbach Small Sculpture Triennial, some initial ideas struck me immediately. Some of the central artistic pieces within the Triennial, I call them the »ancestresses«, are deceased female artists whom I understand as points of reference: Annette Wehrmann with her footballs made of brick and cement, for instance, which one »stumbles upon« at the beginning of the exhibition. This constitutes a curated process of irritation, an invitation to assure oneself that not everything is as one thinks or expects. The footballs are heavy, impossible to move and difficult to play with.¹

Sarie Nijboer: How did the Akademie Schloss Solitude network help to discover artworks for the Triennial, complementing and enriching its theme »The Vibration of Things«?

Elke aus dem Moore: In the more than 30 years of its existence, Akademie Schloss Solitude has welcomed over 1,600 fellows, including individuals participating in our Web Residencies. I have had and continue to have wonderful encounters with artists and scientists and learn so much in the process. Almost a third of the artistic pieces in the Triennale comes from the Solitude network, many of these from the network of the Digital Solitude program.

Part of the exhibition takes place in a digital exhibition space. Many of the young artists do not understand small sculptures or sculptural work exclusively as an analog process with and on the material, but have, instead, now developed a wider understanding of sculptural plasticity and create sculptures with the help of algorithms and artificial intelligence.²

In the digital part of the Triennial, we show works by former fellows or guests of the Akademie, including those by Mitra Wakil and Fabian Hesse, Jan Nikolai Nelles, Nora Al-Badri, Mary Maggic, Tiare Ribeaux, Mohsen Hazrati and Nkhensani Mkhani. Some artistic works offer a fresh experiential value, empowering others to use sculpture in their own personal context. One example of this is the figure of Nkisi by Nkhensani Mkhari, which originates from the Bantu religion and which Mkhari uses digitally or as a 3D printed figure to use in an altered or »augmented reality«, where it is needed, e.g. to improve a negative situation. Additionally, a new generation of artists is beginning to incorporate aspects of »healing« into their work. Many young artists are aware that recent generations of humanity have damaged and partially destroyed planet Earth, and that these actions are based on colonial thinking. Their works do not remain immured in criticism and analysis, but offer new ideas and practical guidelines as a call to action.

Sarie Nijboer: In your introductory text for the catalogue, you write: »A new radical rethinking based on ancient knowledge is necessary, which takes nature as a starting point, which recognizes the living forces of matter and sees things as animate.«³In this way, Antje Majewski has made nature itself the exhibition site for the Triennial. She found an area of forest in Fellbach, where she set up a series of sculptures that have assumed the role of forest guardians. Visiting this section of the exhibition in the forest with all the visitors as part of the opening ceremony felt very special. It became very clear that there, we are merely guests.

Elke aus dem Moore: We are part of nature, it’s just important to recognize that. And so it seems only logical that part of the exhibition takes place in an area of woodland. The wooden sculptures act as guardian spirits for the forest, tasked with protecting it from human infringement. This area of forest will now no longer be accessible to humans for an entire century, something that Antje Majewski made a prerequisite of this particular installation. In her work Sculpture Forest Sanctuary, Antje Majewski invited other artists to show their sculptures in the forest and as duplicates in the Alte Kelter (Old Wine Press).

»Die Vibration der Dinge« oder »Über Verbundenheit«

Elke aus dem Moore, Direktorin der Akademie Schloss Solitude, wurde eingeladen die 15. Ausgabe der Triennale Kleinplastik Fellbach zu kuratieren. Die Themen der Ausstellung »Die Vibration der Dinge« und der Rahmenveranstaltungen sind die »Schwingungen« von Objekten, ihre Besitzverhältnisse und das Thema Restitution, sowie die Verbundenheit aller lebendigen Wesen untereinander und mit den Dingen, die sie umgeben. Zentral für »Die Vibration der Dinge« ist die Wertschätzung der Natur und unterschiedlicher Wissenssysteme, insbesondere den indigenen Kosmologien, sowie die Präsentation multi-generationeller Positionen. Die diesjährige Triennale zeigte skulpturale Arbeiten eines vielfältigen Netzwerks an Künstler*innen unterschiedlicher Herkunft, zudem auch das Netzwerk der Akademie Schloss Solitude zählt.

Elke aus dem Moore im Gespräch mit Sarie Nijboer

 

Sarie Nijboer: Wie ist das Konzept der »Vibration der Dinge« entstanden und welche Ansätze waren für dich bei der Entwicklung der Triennale wichtig?

Elke aus dem Moore: Als ich 2020 die Einladung erhielt, die 15. Triennale Kleinplastik Fellbach zu kuratieren, hatte ich bereits im ersten Moment erste Ideen. Einige zentrale künstlerische Positionen der Triennale, ich nenne sie die »Ahninnen«, sind verstorbene Künstlerinnen, die ich als Referenzpunkte verstehe, so beispielsweise Annette Wehrmann mit ihren Fußbällen aus Ziegel und Zement, über die man zu Beginn der Ausstellung »stolpert«: ein initiierter Vorgang der Irritation, eine Einladung zum Sich-Vergewissern, dass nicht alles so ist, wie man denkt oder erwartet. Die Fußbälle sind nicht leicht, sie lassen sich nicht bewegen oder nur schwerlich damit spielen.[1]

Da ich meine kuratorische und auch institutionelle Arbeit immer in einem Kontext sehe – sei es im lokalen, internationalen, wie auch im jeweils institutionellen Kontext – und aus einer gemeinschaftlichen Idee heraus entwickle, war mir sehr schnell klar, dass ich diese Triennale gern im Gespräch mit drei Künstler*innen entwickeln werde, nämlich Antje Majewski, Gabriel Rossell Santillán und Memory Biwa. Mit ihnen verbinden mich teils sehr lange Arbeits- und Freundschaftsverbindungen. Wir begannen recht früh in regelmäßigen Gesprächen über Zoom, das Thema der Triennale herauszuarbeiten.

Relativ schnell ergaben sich drei thematische Stränge, die in unseren Gesprächen immer wieder auftauchten. In den ersten Überlegungen kamen wir rasch an den Punkt, dass Objekte eine Schwingung oder energetische Ladung besitzen, die durch die Intention und Bedeutsamkeit für den Menschen entstehen.  Einer der weiteren Grundgedanken, der uns beschäftigte, war die grundsätzliche Frage nach Eigentum an Lebendigem: Wie kommen wir Menschen zu der Überzeugung, dass wir etwas Lebendiges wie Pflanzen, Menschen und Tiere besitzen können? Dementsprechend präsent ist das Thema Restitution oder die Frage, was mit Objekten geschieht, die aus einer gewaltvollen Erfahrung migriert sind und gewaltvoll in einen anderen Kontext platziert wurden. Der dritte Erzählstrang handelt von der Verbundenheit aller lebendigen Wesen in dieser Welt. Das ist ein großes Thema, das in den indigenen Kosmologien seinen Bezug findet. Einige indigene künstlerische Positionen sind in der Triennale vertreten.

»Das westliche Denken ist recht eindimensional in seiner rationalen, bzw. kognitiven Prägung und lässt viele verschiedene Formen der Wissensproduktion aus.«

Sarie Nijboer: Sowohl in deiner Arbeit am Institut für Auslandsbeziehungen (ifa) als auch bei Contemporary& oder der Akademie Schloss Solitude hast du dich immer auf diesen transkulturellen Austausch und nicht-westliche Perspektiven konzentriert. Was ist dir an diesen Themen so wichtig?

Elke aus dem Moore: Das westliche Denken ist recht eindimensional in seiner rationalen, bzw. kognitiven Prägung und lässt viele verschiedene Formen der Wissensproduktion aus. Die beanspruchte Dominanz dieses Denkens, das mit der Aufklärung begann sich als universal zu verstehen, ging oft mit einem Machtanspruch und Gewalt einher. Indigene Episteme und Wissenskonzepte wurden versucht auszulöschen. Durch diese Eindimensionalität hat der Westen sich recht eingeengt und isoliert. Als Teil einer planetarischen Gemeinschaft ist es grundlegend wichtig, unterschiedliche Wissenssysteme zu reflektieren und anzuerkennen.

Viele »Vereinbarungen« der sogenannten Zivilisation, die in der Zeit der Aufklärung manifest wurden, haben bis heute ihre Wirksamkeit. Diese »Missverständnisse« gilt es zu erkennen und zu benennen, etwa das Recht auf Eigentum des Menschen an Lebendigem entbehrt jeglicher Grundlage. Ökonomin Dr. Irene Schöne bezeichnet es als »reine Fiktion«. In der Ausstellung der Triennale und den Veranstaltungen, sowie im Katalog widmen wir uns diesen »Missverständnissen«.

Sarie Nijboer: Wie hat das Netzwerk der Akademie Schloss Solitude dazu beigetragen, Kunstwerke für die Triennale zu entdecken und das Thema der »Vibration der Dinge« zu bereichern?

Elke aus dem Moore: Die Akademie Schloss Solitude hat in den mehr als 30 Jahren ihres Bestehens mehr als 1.600 Stipendiat*innen empfangen, einschließlich der Web Residencies. Ich hatte und habe immer wieder wunderbare Begegnungen mit Künstler*innen und Wissenschaftler*innen und lerne dabei sehr viel. Fast ein Drittel der künstlerischen Positionen der Triennale stammt aus dem Solitude-Netzwerk, viele aus dem Netzwerk des Programms Digital Solitude.

Ein Teil der Ausstellung findet in einem digitalen Ausstellungsraum statt. Viele der jungen Künstler*innen begreifen Kleinplastik oder Skulpturales Arbeiten nicht ausschließlich als analogen Prozess mit und am Material, sondern fassen skulpturale Plastizität heute weiter und denken Skulpturen mit Hilfe von Algorithmen und Künstlicher Intelligenz. [2]

Im digitalen Teil der Triennale zeigen wir Arbeiten von ehemaligen Stipendiat*innen oder Gästen der Akademie wie Mitra Wakil und Fabian Hesse, Jan Nikolai Nelles, Nora Al-Badri, Mary Maggic, Tiare Ribeaux, Mohsen Hazrati, Nkhensani Mkhani. Einige künstlerische Arbeiten bieten einen neuen Erfahrungswert an und ermächtigen zum eigenen Einsatz der Skulptur im jeweils eigenen Kontext. Beispielsweise die Figur der Nkisi von Nkhensani Mkhari, diese aus der Bantu-Religion stammende Figur, die Mkhari digital oder als 3D-Druck Figur nutzt, um in einer veränderten Wirklichkeit oder »augmented reality«, da einzusetzen, wo sie erforderlich ist, z.B. zur Verbesserung einer negativen Situation. Eine neue Generation von Künstler*innen beginnen, Aspekte von »Heilung« in ihren Arbeiten aufzunehmen. Viele junge Künstler*innen sind sich bewusst, dass die letzten Generationen der Menschheit den Planeten Erde sehr beschädigt und teilweise ruiniert haben und dass dieses Handeln auf kolonialem Denken basiert. Ihre Arbeiten bleiben nicht in der Kritik und Analyse stecken, sondern offerieren neue Entwürfe und Handlungsanweisungen.

Sarie Nijboer: Über das Solitude Netzwerk bist du ebenfalls auf die Künstlerin Nijolé Šivickas gestoßen…

Elke aus dem Moore: Die Stipendiat*innen der Akademie Schloss Solitude sind während ihres Aufenthaltes eingeladen, ihre Arbeitsweisen und –kontexte vorzustellen. Maria Cecilia Reyes, eine junge Wissenschaftlerin aus Kolumbien, zeigte in ihrer Präsentation als Stipendiatin der Akademie einen Film, den sie als Ko-Autorin über Nijolė Šivickas, einer litauisch-kolumbianischen Künstlerin, mitverantwortet. Meine Begeisterung für diese künstlerische Position, die ich bisher nicht kannte, ist so groß, dass ich gemeinsam mit Maria Cecilia daran ging, einige der Skulpturalen Arbeiten des umfangreichen Oeuvres der verstorbenen Künstlerin an der Triennale zu zeigen. Während dieses Prozesses hat Maria Cecilia herausgefunden, dass Nijolé Ende der 40er Jahre an der Kunstakademie Stuttgart studiert und in Fellbach gewohnt hat. Erstmals in Deutschland sind ihre künstlerischen Arbeiten auf der Triennale Kleinplastik Fellbach zu sehen. In einer parallelen Ausstellung an der Städtischen Galerie Fellbach zeigten wir auch ihre Zeichnungen, weitere Skulpturen und den Film über diese faszinierende Künstlerin.

Sarie Nijboer: Das zeigt auch, dass Kunstwerke nach dem Tod ihres Erschaffens weiterwirken oder die Absicht des*r Künstler*in weitergegeben wird. Das habe ich auch so in den Objekten von Annette Wehrmann oder Irma Hünerfauth erfahren.

Elke aus dem Moore: Ja, das ist richtig. Die »westliche« Betrachtungsweise von Form, Komposition, Farbe, Materialität, sind nicht die einzigen Parameter von Kunst und ihrer Wirkung. Eine kritische und holistische Art der Auseinandersetzung sehen wir zum Beispiel in den Arbeiten von Gabriel Rossell Santillán, oder auch in der von Memory Biwa kuratierten Sektion mit namibischen und südafrikanischen Künstler*innen, wo es um das Thema »Soundings« geht, also auch konkret darum, was klingt, was vibriert, was schwingt im Raum, welche Resonanz wird erzeugt?

Gabriel Rossell Santillán geht es um eine Transformation kulturellen Wissens. Er hat die indigenen mexikanischen Wixárika-Schamanen (Mara’akate), mit denen er seit vielen Jahren teilweise zusammenlebt, nach Berlin eingeladen, um Objekte, die im ethnologischen Museum in Dahlem in Berlin lagern, zu befragen und zu untersuchen, welchen energetischen Status sie haben. Es stellte sich heraus, dass ein Großteil der Objekte »tot« ist, und keinerlei Energie mehr aufweisen. Die Objekte wurden teilweise mit Arsen behandelt, um sie zu konservieren, und liegen nun seit vielen Jahrzehnten in Archivboxen. Einige von ihnen sind in falschen Konstellationen aufbewahrt, was große störende Auswirkungen auf das Zusammenleben, auf die Ökonomie und Ökologie der Wixárikas hat. Das Video von Gabriel in der Triennale thematisiert diese Umstände und die noch immer großen Widerstände der Museen, einen Umgang mit den Objekten zu finden, die das Wissen und die Bedürfnisse der indigenen Gemeinschaften respektiert und miteinschließt. 

Sarie Nijboer: In deinem Einführungstext des Katalogs schreibst du: »Ein neues – auf altem Wissen basierendes radikales Umdenken ist notwendig, was die Natur als Ausgangspunkt nimmt, was die lebendigen Kräfte von Materie anerkennt und die Dinge als beseelt betrachtet.« [3] So hat Antje Majewski für die Triennale, die Natur selbst zum Ausstellungsort gemacht. Sie hat in Fellbach ein Stück Wald gefunden und dort eine Gruppe von Skulpturen aufgestellt, die zu einer Art Wächtergruppe für diesen Wald werden. Es war für mich etwas ganz Besonderes, dass wir als Teil der Eröffnungszeremonie mit allen Besucher*innen den Ausstellungsteil im Wald besucht haben. Es wurde dabei sehr deutlich, dass wir dort nur Gäste sind.

Wir sind Teil der Natur, das ist einfach wichtig anzuerkennen. Und so findet auch ein Teil der Ausstellung in einem Waldstück statt. Die hölzernen Skulpturen fungieren als Schutzgeister für den Wald und sollen ihn vor dem Zugriff der Menschen beschützen. Dieses Waldstück wird nun für 100 Jahre nicht mehr von Menschen betreten werden können, ein Wunsch, den Antje Majewski für diese Arbeit zur Voraussetzung gemacht hat. Antje

Majewski hat in ihrer Arbeit Sculpture Forest Sanctuary weitere Künstler*innen eingeladen, ihre Skulpturen in dem Waldstück und als Duplikate in der Alten Kelter zu zeigen.

Sarie Nijboer: Daneben gibt es in der Ausstellung auch einen leeren Raum. Dieser Raum ist aufgrund seiner Position sehr dominant und nimmt viel Platz in Anspruch. Was war die Idee, diesen Raum in die Ausstellung einzubeziehen?

Elke aus dem Moore: In dem kuratorischen Prozess war für mich sehr zentral, einen leeren Raum in der Mitte anzubieten, um den Besucher*innen mit ihren eigenen Erfahrungen und ihren eigenen Perspektiven Raum zu lassen. Diane Hillebrand hat das auf Nachhaltigkeit basierende Ausstellungsdesign entworfen und die Idee der Resonanz aufgegriffen und im Ausstellungsraum Stühle zum Ausruhen und Innehalten platziert. Dieser leere Raum war im Laufe der Triennale Ort für sehr intensive Gespräche der Besuchenden.

Sarie Nijboer: Die Triennale hat ein Gespräch über die Bedeutung unserer Interaktion mit der Natur und anderen Lebensformen eröffnet. Was wünscht du dir für die Zukunft, um diese Ansätze zu ändern und neue Wege der Interaktion zu finden?

Elke aus dem Moore: »Transformation« war das zentrale Thema des 30-jährigen Jubiläums der Akademie Schloss Solitude im Jahr 2020. In einer gleichnamigen Vortragsreihe waren internationale Philosoph*innen, Denker*innen und Künstler*innen eingeladen über die wichtigsten Themen in dieser Zeit des Wandels zu reflektieren. Heute ist die Dringlichkeit der Themen wie die notwendige Aufarbeitung des Kolonialismus und seiner Strukturen, die uns bis heute beeinflussen, sichtbar. Viele Grundannahmen und »Missverständnisse« sind erkannt und können somit auch verändert werden. Zentral bleibt die Frage, wie wir einen respektvollen Umgang mit der Natur wieder herstellen können und uns als Teil der Natur wahrnehmen können? Und wie können wir Beziehungen aufbauen, global, institutionell, ökonomisch, die auf Vertrauen und Respekt basieren? Polaritäten gilt es abzubauen und dagegen zu wirken, und neue Formen des Miteinander zu entwickeln.  Wir sind derzeit an einem Scheidepunkt, einem evolutionären Schritt, der uns dazu einlädt nicht mehr in Dualitäten und im Getrenntsein zu verharren. Hervé Yamguen zeigt dies in seinen Bronzeskulpturen, die in der Triennale zu sehen sind, in denen Mensch, Tier und Pflanze eins sind. Er hat uns mit den »En des matins ensoleillés« ein wunderbares Gedicht geschenkt: